emmm，很有意思的问题。谈一下个人看法吧，才疏学浅权作交流
先总起说一句，题主这个问题嘛，一方面是职业里的必须--must和可以--can之间的区别，一个是对“原创”“创作”的定位问题。就我的理解具体解释一下：
1， 先问是不是，再问为什么。
什么叫钢琴家？就是我说的职业份内之事的“must”
中文维基百科的定义是：指具有公认地位、造诣较高的职业钢琴演奏者。
英文维基百科的定义是：A pianist is an individual musician who plays the piano.
德语维基百科的定义是: Ein Pianist, ist der Musiker, der Klavier spielt.（其他的语言我就不列出了，基本上德语和英语说的是一回事儿）
题主你看在这些解释里面有“创作作品”这个要求了么？这些定义里面的主体是什么？职业钢琴演奏，顶多加一些比如说造诣较高的这样的定语，但是主体不影响，都是演奏钢琴。这说明啥，只要他以钢琴演奏为职业，演奏的曲子是不是自己创作的，并不影响其职业定位和分内本职工作。
个人观点吧，一切涉及到在既定的前提基础上进行个人化演绎的职业工作，比如说钢琴家、演员、歌唱家等等，这种个人化化演绎是他自己的创作和风格，而不会因为他演绎了别人的作品就认为他没有“原创”。
如果按照题主的标准，“原创”意味着要彻底从无到有创作作品，那么你所说的并不是钢琴家，至少不是钢琴家本身必须要做的职业内容，你说的是“作曲家”，同理以你的标准，“演员”职业中对应的原创者应该是“剧作家”，连导演和编剧都不能满足条件，“歌唱家”对应的原创者是“作曲家”“作词家”等等。一个职业有一个职业必须要做的事情，各司其职罢了，剧作家也好作曲家也好，他们能进行创作，但是他们并不需要也去演绎，教给那些专业的合适的人进行演绎，这是社会劳动合理细化分工的表现。
再说另一个角度，职业之间的兼容和共存性，就是“can”，同样身为钢琴家，可以去指挥啊，比如巴伦勃依姆，比如艾森巴赫，比如会小提琴的指挥家马泽尔；也可以作曲啊，肖邦、李斯特、莫扎特、贝多芬等等太多太多了；一个歌手可以去写词谱曲同时自己也演唱，比如周杰伦就是个很好的例子，著名指挥家伯恩斯坦也写了有名的音乐剧西区故事、Candide和自己的交响曲，这些都不矛盾，这些也都是我说的“can”，而不是他们作为一个钢琴家一个歌手一个指挥在职业范围内要求的“must”，钢琴家只演奏不作曲完全没问题，又演奏又作曲又写剧又指挥，只要实力好能一把抓也没问题。
还有，钢琴家弹得一样，这个一样只是说弹得是同一个作品（就算同一个作品也可能有不同的版本，或者其中某一个段落的编曲会有多个版本），而钢琴家演奏作品的“不一样”更多体现在他对于这个作品的理解和演绎表达，不同的钢琴家就会有不同的风格和偏好，这种会直接反映在他演奏作品中各方面的处理，比如节奏比如音色比如强弱等等。哪怕耳朵没那么灵，但是风格差距大的钢琴家对同一作品的演绎处理，相信还是能听出来的，从这一点来看，题主你说的钢琴家弹得都一样是不成立的，只是你主观的推断罢了。
2、谈谈你题目中说的绘画，当然我也不是绘画相关专业的，就只说一下个人看法。你觉得绘画更多是原创，二次创作和临摹画的再好都不行。我觉得还是你对于“创作”这个词的定义和理解角度问题，你可能认为绘画就是从无到有从零开始，一个想法拍脑袋灵光一闪，大笔一挥，空白的画布上就有了创作（参考你对于钢琴家作曲的定义，一首歌曲或者音乐作品从无到有的过程）
在我看来，举个例子，《最后的晚餐》这幅画，大家可能最熟悉的就是达芬奇的那幅壁画，现存米兰的圣玛利亚修道院，但是最后的晚餐其实有好多好多幅不同的画作，达芬奇只是其中一幅也是最有名的一幅罢了，他既不是开始也不是最后，著名画家鲁本斯也有一幅最后的晚餐，达利也画过他的最后的晚餐，我在米兰玩的时候，没预约上达芬奇那幅的参观，结果去了离那个教堂不远的San Maurizio教堂，真是米兰教堂的一颗遗珠，外表平平无奇但是里面的壁画相当精美，那里也有一幅最后的晚餐壁画，如图： 然后我去了米兰的布雷拉美术馆，又看到了另外两幅最后的晚餐，第一幅是保罗鲁本斯的，第二幅是Daniele Crespi的（手机拍的画质不好请见谅） Pieter Paul Rubens的最后的晚餐 Daniele Crespi的最后的晚餐
最后的晚餐这是一个圣经故事，是一个艺术创作最开始的动机和主题，不同的画家根据这个主题去发挥去演绎，而达芬奇的这幅作品在这众多的演绎中是最广为人知的。所以既没法说最后的晚餐完全是达芬奇的原创，因为这个主题是公用的是既定的，不是达芬奇凭空拍脑袋想出来的，而且他在创作之前已经有人完成了同样主题的画作。也不能说其他人二次创作了达芬奇的画，尽管有些画里的内容大同小异，甚至风格构图都类似。所以说大家都是对同一个主题进行自己的创作，进而产生了不同风格和类型的作品，创作的过程更多的是个人化的理解和演绎的过程，而不是单单指一个作品的从无到有，这二者是有区别的。
附一个链接可以看看，方便理解一下一个同样的动机和主题产生的多样的风格画作：
达芬奇《最后的晚餐》竟然不是“最后的晚餐”？ 所以说就算是绘画领域，你所说的“原创”也是相对的，能发现很多用同一主题的不同的画家进行的个人化创作，以及很多画家被前人的作品启发而进行类似的再创作。
顺便推荐你去看一下梵高的《吃土豆的人》和《龟户梅屋》这两幅画。之前去阿姆斯特丹的梵高博物馆时，看到梵高代表作之一的《吃土豆的人》，这幅画的旁边放着另一幅画，是对梵高产生重要影响的荷兰画家Jozef Israëls的一幅《围坐饭桌的农民家庭》，画作介绍里说，虽然同样画了农民家庭的就餐场景，Jozef的那幅表达的是安宁满足和谐的氛围，并且有一定的宗教意义表现。梵高被这幅画影响启发，他想表现的却是真实的农民生活，朴素且艰辛，在画里，梵高用粗陋的模特来显示真正的平民，“我特别想通过这幅画，让大家对这些在昏暗灯光下吃着土豆的的人的生活感同身受。正是通过这些正在拿着食物的手，食物才得以从田间长出——它们意味着劳动的意义，他们用一种最直接最诚实的方式去获得食物。”所以梵高的这幅画，也不是全然从零开始的创作，他也是受到jozef的画作启发，场景和氛围等等的启发，加上他自己的理解和感受去创作。
而《龟户梅屋》就更是梵高临摹歌川广重的画进行的再创作。梵高表现了自己对原作的尊重，同时也进行了自己的演绎和创新。“即使他复制了日本艺术作品的形象，你也必须站的非常，非常远，然后眯着眼睛看他的版本，才会觉得其作品看起来像歌川广重的原作。梵高的每一个笔触都是充满热情的，添加了属于其独有的元素。歌川广重笔下的树是光滑、暗淡的、如暗剪影一般，而到了梵高笔下，则成了原始的、粗糙的、满是滴状的斑点；而另一幅作品中，歌川广重所绘制的黑色线条的雨水如同清凉的窗帘，而在梵高视觉语言中，则变成了猛烈的、险恶的、沉重的斜线。”
总而言之，绘画的创作并不意味着要完全从零开始，一拍脑袋一个想法冒出来了，然后就画了一幅画。艺术来源于生活也高于生活，艺术也需要从前人的作品里汲取灵感和帮助，而后推陈出新不断发展和变革。
PS：实在是惭愧我并非钢琴专业也并非绘画专业的，但是因为个人兴趣和职业特性，会去了解一下这两方面的皮毛。在知乎上还有很多专业的大神，我仅在这个回答里谈一下自己的感受和想法，班门弄斧了，希望对题主的疑问有所帮助吧。
喧嚣卡
千斤顶
照妖镜
然后我去了米兰的布雷拉美术馆，又看到了另外两幅最后的晚餐，第一幅是保罗鲁本斯的，第二幅是Daniele Crespi的（手机拍的画质不好请见谅）
Pieter Paul Rubens的最后的晚餐
Daniele Crespi的最后的晚餐
