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最近爱上了各类器乐体裁的作品，今天还了解到了不同时期的花腔技术，在熟悉的一些作曲家中居然他们的声乐作品也如此有研究，深深的感知到了其中的相通性，所以在学习一个作品时，应该去听听这个作曲家的每种作品。钢琴本身的声音是不好听的，只有当它在模仿的时候才是好听的，我认为第一句话应该说是，钢琴演奏在没有明确的目标下听起来会是行尸走肉，在模仿时，可以是小提琴，可以是美声中的男低音，可以是弦乐四重奏，也可以是一定编制的交响乐，所以，在演奏各个作曲家的作品时应该深知作曲家的作曲乐思。
但是话说回来，肖邦除外，因为他就是为钢琴而作，所以在演奏时，不应该去想象其他乐器的乐思，就他个人而言，我在阅读关于他的书信集时了解到，他爱的则是意大利美声女高音，其中特意强调了，“三指”是最有天赋的歌唱家。但是，在整个演奏设计布局上，我还没有太多见解，等下学期学完再继续这段的思考和总结！
另外，说起巴赫，有一个很好的问题，就是巴赫的演奏风格，到底什么算是他的风格，巴赫属于巴洛克时期，在以后的古典，浪漫，印象等等，都有一些明确的演奏原理，但是巴赫呢？
第一：演绎巴赫的作品应该用什么风格？羽管键琴？乐队风格？
不管是什么风格，什么乐器，怎么处理，只要是符合条件的，好听的，那就是可以的（因为巴赫还是十七十八世纪的作曲家，都是对作品的声音没有唯一的标准，那个时期作曲家大都把相互的作品改来改去）高声部可以用小提琴，柳特琴，低音可以用羽管键琴，大提琴，只要好听就是对的（那个时期对声音的概念不像现代，每个声部都固定，同时也限制了某些东西，但也不能绝对化）
第二：钢琴上如何演奏巴赫，模仿羽管键琴还是其他？
法国序曲，不论是钢琴还是羽管键琴，都应该追求风格的源头，去追求法国乐队这样的风格，而不是一味的去模仿羽管键琴的声音
（但同时，到底应该如何演奏都是一个伪命题）（同时，可以去遵循演奏家的历史源头，风格，但是，想要创新一定是可以的，但也不能无厘头，是经过深思熟虑，是有更好的见解也可）
十二平均律上册第一首，C大调前奏曲，各个演奏家都有自己的演奏方式，例如古尔德把每个句尾彈成轻巧的跳音，因为巴赫除了音并没有标注别的东西，这首曲子的源头更像是一个柳特琴作品的改编，分解和弦。C大调赋格，更像是圣咏，人声，所以这首平均律时应该改变自己的风格（管风琴在教堂受欢迎是因为它的音色更像人声合唱）曲子判断风格源头可以通过曲子的节奏 音色
所以在钢琴上演奏时，就不是单单的要去模仿那个时期的乐器，而是考虑更多的风格等等。不是通过钢琴表现羽管键琴，这只是皮毛，主要应该用钢琴表达那个时期的文化。
最后，巴赫更像一个时期，彈巴赫的应该想象那个时期的更多乐器 |
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喧嚣卡
千斤顶
照妖镜
