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发表于
2022-10-14 15:45:53
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IP:北京
呼吸感，表示合理的分句。
处理得当的音乐，就像一篇工整的文章，有段落，有句子，有标点符号。
是这些结构的划分，标点符号的间隔，让文章变得清晰易读起来。
同时音乐的流动也像我们在用嘴巴说话，你想让听得人沉迷在你的故事里，你就要一句一句慢慢讲，句子之间需要停下来，呼吸一下，间隔一下，再讲下一句，抑扬顿挫。
而没有“呼吸感”的音乐，就好像一片没有标点符号的文章，从开头的第一个字，一直连到整页的末尾；
或者就像一个肺活量大到出奇的人，语速极快，滔滔不绝讲了半分钟没有呼吸没有停顿，不管他自己难不难受，听的人就已经觉得喘不过气来了。
所以音乐的呼吸感，就是要学会分句，断句，最终目的，是让听的人得以察觉到一句音乐在什么时候开头，也能够察觉到它在什么时候结束，从而给人一种通顺，舒适的感觉。
最初级的“呼吸感”，我们用声音上的断开来表示：
在每一个乐句的结尾，让手指离开键盘，使声音断开，在下一句开始的时候，声音重新出现。这个时候，结尾和重新的开头都有了，呼吸感也就出来了。
这也就是为什么初学钢琴的时候，老师会让你一定要在连线的末尾，做一个呼吸（落提）的动作。
但由于大多数老师过于强调落提的动作细节，往往导致自己和学生都忽略了这个动作最本质的内容和目的：就是为了制造出音乐乐句之间的呼吸感。
所以你甚至不需要这个优美的手腕抬起的动作，仅仅是把键盘放开，让声音适当地中断，就能做出呼吸感。
中高级的呼吸感，则体现在「速度的弹性」和「声音的强弱上」。
我们弹到中高级的曲目，或者浪漫派的作品时，踏板的使用经常是贯穿始终的。
踏板贯穿始终，说明声音的断开在某种程度上变得不可能，或者极难操作。
这个时候，我们复习一下“呼吸感”的本质：“让听的人得以察觉到一句音乐在什么时候开头，也能够察觉到它在什么时候结束。”
所以，通过对乐句末尾和开头的弹性处理，在一句乐句结束的时候，适当的做一点渐慢（ritardando），就可以表现出乐句的结束感，让人察觉到即将结束的动机；同时再新开始的一个乐句开头处，我们将音乐回到原来的速度（a tempo），给人一种回到稳定的感觉，也预示着这是新一句音乐片段的开头。
强弱的处理，也是遵循一样的原则。在乐句末尾渐弱（diminuendo），使音乐情绪微微收敛，传达乐句结束的信息；在乐句开始时，回到原来的强度，或者使用更强的的力度，在正拍上制造强拍，制造乐句开头感。
当然，在某些情况下，强弱也可以反过来，让一句乐句强结束，弱开头，也能制造“呼吸感”。因为对比是推动音乐情绪发展的主要手段，只要有对比，就能突出分句。
强弱的处理和速度的弹性，可以有机结合，以达到更巧妙的“呼吸感”和音乐性。
<hr/>而要让音乐起伏起来，要先明白，什么是起伏？
起伏这两个字说起来很模糊，其实它大多时候，也是对强弱和速度处理的综合体现。
至于题目中描述音乐没有起伏的问题，可以看我这个回答，感受一下如何处理起伏：
弹钢琴（专业性问题），音的走向是通过什么完成的？起伏的要点是：设置乐句的重心。
第一步，先划分乐句，第二步，按照你的感觉给这个乐句点一个最高点，也可以叫做重心，一般这个重心就在整个乐句中心的附近，比如我拿致爱丽丝来举例：
第三步，在弹奏中，把速度和强弱由低到高序进，达到最高点后下降。即，每个乐句都有一个高潮点，整个乐句的速度和强弱，在重心点时达到顶峰，从重心两边依次放缓下去。
在这个过程中，速度的弹性范围不宜过大，否则容易造成拖沓的感觉，而强弱的推进和衰减是制造歌唱性的最重要的一个因素，可以把重点放在强弱的表达上。
重心的设置还要从整体上来考虑，比如莫扎特的K545奏鸣曲：
每一个小乐节都是音阶上下行，重心理所当然地设置在最高的也是中心的地方，强弱往重心进行倾向，整个强弱的倾向性就出来了，但从整个乐句来说，这里的音阶是不断下行级进的，因此乐节的进行中也要突出从整体上来说不断下降的音响强度。
强弱是古典钢琴音乐最基本的游戏规则之一，做到恰当的强弱序进，也会反过来作用于音乐表达上的连贯感，也就是你所要表达的走向。
但它不是一个死板的规则，它没有条条框框的框架，你可以根据你想要的感觉去进行强弱的序进，比如一个乐句中也可以出现多个重心，这都是有自由操作的空间的，但不论如何，音乐的进行一定有重心，这是对于你要体现出“走向”来说一个很有效的方法。
在初期，你需要在弹奏前刻意的进行设计和安排，不要依赖自己的“乐感”进行即兴发挥，这样往往可能每一遍下来你的重心都在不同的位置。
而当你积累了足够的听觉经验，搭建了足够的音乐审美后，你就有了属于自己的处理风格，可以按照自己的框架直接上手去处理了。
要怎么弹出音乐的感情？
首先我们要对「有感情的音乐」做一个定义。
对音乐感性的表达，是要以理性的技术为输出的，音乐不会因为你内心此刻充满感情，音乐本身就开始变得充满感情；
你还得找到让音乐听起来让人觉得有感情的操作方法。音乐感情在具体的尺度上，是指：强弱组合与对比、声部之间的强弱差异、音乐速度上的弹性、琴的好坏（音色），等。
要如何在每一个尺度做到非常精致，又让各个尺度能够协调的融合在一起，是一个非常大的课题，一篇文章说不清楚。
但这里可以在底层的逻辑上，给出一些建议，打开你去摸索让音乐弹得有感情的门路：
建议1：模仿与对比是性价比最高的学习方式
我们都知道大师弹的好听，那就用耳朵细细地去分辨，它们每一个细小的段落和你弹奏的究竟差别在哪里，然后尝试着用有逻辑的语言把这个差别描述出来。
是速度卡点卡的不一样？是强弱的地方不一样？是左右手的时间差不一样？不一样的位置是在几个音符之间？然后一步步达到和大师的演奏段落最接近的效果。
切不要泛听和整首循环听，一定要听细节，学会拆分，各个击破。
建议2：找到固定行为与必然结果之间的联系，并强化这种联系
如果你的耳朵已经知道自己弹出的某一种声音不好听，同时你也知道什么声音是好听的，你这个时候就只差一步了，那就是在某个音乐片段中，去努力达到你觉得好听的音色，然后分析你弹的好听和不好听之间，行为上的差异具体在哪里？去量化这个固定的行为，再把它运用到其他音乐的处理中。
说白了，我们要仔细体验自己对于细节的感知，如果总是立于一个模糊的感觉来评价自己的问题，那将很难找到具体的原因。 |
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