不羁年少逐浪漫，怎堪爵士半阶荫；
老大识得蓝调愁，重金属、不努思；
回牟经典已阑珊，悲怆一曲为谁谱？
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醉里干戈摇滚声，梦醒夜店抵死磕；
转头探邀云追月，朋客摆、嘻哈拽；
乡村民谣下班路，满街遍踏广场舞。
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～自题

节奏、音准、大小三和弦、十二平均律、五度相生律、和声进行、变调转调、揉弦推弦、级数和声、对位法、变奏、即兴演奏、风格、音乐鉴赏、绝对音准、相对音准。

从巴赫到贝多芬、李斯特…，钢琴成为乐器之王的历史，也是人类通过第一次工业革命，造就“转炉炼钢”传奇的文明进化历程。从1700年代到1850年代，乐器厂造出钢丝琴弦的“钢琴”，马上就送给巴赫、贝多芬、李斯特去玩，去作曲，去演奏。
因为钢丝弦张力太强悍，据说李斯特一场钢琴演奏会要准备三台钢琴，因为能把钢琴弹散架。
而贝多芬时代的钢琴制造最发达的英国和奥地利，恰好是当时转炉炼钢技术最发达的地区。
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与钢琴崛起的历程类似，同样的事情，也发生在1850年代的吉他上，传统的羊肠弦、丝绸弦被碳素钢丝琴弦取代，古典吉他从此分化出“爵士吉他”和“民谣吉他”。

• 小提琴最适合演奏单音串联的旋律；
  
• 吉他最便于演奏多音并行奏响的和弦，或者分解和弦；
  
• 钢琴左右手一起敲击琴弦，旋律和和弦都不耽误。
  

“吉他是一个小型管弦乐队”
～贝多芬

对于一个流浪作曲家，如果要打磨修改自己的作品，用嘴唱旋律，再加上用吉他弹几个和声伴奏就能听到作品demo小样的效果了。一路走一路都能作曲。如果要放到钢琴上编排演奏，那就扛不动了。

• 单论技术，民谣吉他的天花板大约是“爵士吉他”；民谣吉他的强项是给演唱者伴奏，一人一琴，自带卡拉OK属性；大众化，吃得开。鲍勃.迪伦弹着民谣吉它能够出圈拿到诺贝尔文学奖（电影《阿甘正传》里，男主角阿甘的女朋友卖唱的时候就是“只”抱着民谣吉他唱的这首歌）。最近兴起的“吉他指弹”，运用更多复杂的弹奏技巧，来增加民谣吉他在器乐独奏上的艺术表现力，算是民谣吉他发展的一个潮流，距离爵士吉他那样开山立派可能还需要时间去积累和沉淀。从目前来看，“民谣吉他指弹”的玩法，更适合“宅男”而不适合酒吧～以后能否成为类似琵琶、曼陀铃那样独立的乐器门类，让民谣指弹能够和古典吉他、爵士吉他鼎足而立还不好说。
  

【观点】“民谣指弹吉他”能否独立为一个门类？这个划分怎么看：如果沉淀了一批某种风格的乐曲，你不用“指弹吉他”，用古典吉他、爵士吉他就弹不出“这个味儿”～只有这个乐曲才能表现出这类乐曲的风格，那么好吧，给你专门打造一款乐器，你开山立派去吧。这就像：
古典吉他～古典音乐/传统音乐
弗拉门戈吉他～弗拉门戈舞曲
尤克里里和滑棒吉他～夏威夷音乐
爵士吉他～爵士乐
民谣吉他～乡村音乐
电吉他～摇滚乐
贝司：好吧，贝斯又被人黑了
大致这样的关系吧

• 爵士吉他和爵士乐的关系有点像弗拉门戈吉他和弗拉门戈音乐的关系，无论音乐艺术怎么分类，爵士吉他凭借爵士乐的滋养，总能站到一席之地，拿到音乐圈里的格莱美奖。
  
• 目前看来，古典吉他演奏技法可能是最复杂的，一把吉他要干一只乐队的活：得琢磨如何安排多声部并行，提供音乐织体的表现力。古典吉他还派生出另外几个门类：弗拉门戈吉他、尤克里里（也叫做夏威夷小吉他）、夏威夷滑棒吉他（传统的夏威夷滑棒吉他是平放着弹奏的，大名叫做“夏威夷吉他”，不是尤克里里）…
  
• 电吉他拥有第三次工业革命（信息技术革命）电子科技的加持，古典时代不能弹响的音色被拓展出一片全新的开阔地，使得电吉他的表现力具备了超越小提琴的潜力。目前看来，电吉他的表现力与其说是受到演奏技术的限制，倒不如说是受到人类接触电声乐的想象力制约。
  
• 相比电吉他，电贝司虽然也插上了电，甚至使用了音色效果器；但是还没出现从木吉他到电吉他那样革命性的表现力和演奏技巧的变化～也就是说，电贝司和贝斯再难也没超过欧阳娜娜玩的大提琴。
  

贝斯音吉他～bass原意是“根音”
完整的“意译”应该是“根音吉他”。
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吉他自带三大类演奏技法：
旋律奏法、和弦奏法、根音奏法。
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根音/贝斯音也可以由大提琴或者低音提琴演奏。但是，抛开有品格和无品格差别不说吧。
主流四弦贝斯定弦从粗到细是“EADG”（和主流六弦吉他从粗到细EADGBE定弦一致），五弦贝斯通常定弦是（B,EADG），六弦贝斯定弦（B,EADG,B)；
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主流大提琴定弦从粗到细是“C,GDA”（小提琴定弦从粗到细是GDAE）。

从乐器定弦就能看出来帕格尼尼的伟大了：小提琴定弦和吉他定弦是“纯四度”和“纯五度”的“镜像关系”～帕格尼尼还真就是可以“逆练九阴真经”。这个指法转换是逆天啦。

电吉他还是木吉他？to be or not to be？
对于才华横溢的大师级人物无所谓：埃里克.克莱普顿电吉他和木吉他都玩的好，好像还拿了个格莱美的终身成就奖。

爵士乐是通过即兴演奏打乱音符，把传统经典的音阶调式给重新玩过。
摇滚乐是通过强力和弦打乱节拍，把传统经典的节奏型给重新玩过。
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～最初的来源“蓝调”，和“滚石”Rocking Roll→“摇滚”Rock上来看，似乎是这样，到了今天，，基本没啥原则了，想怎么折腾就怎么折腾。

流行音乐很好定义：好卖钱的就是，包括但不限于（传统，摇滚，乡村，爵士，浪漫，经典；民族，二人转，二手玫瑰…）。所以流行音乐也可以叫通俗音乐，钱可不就是俗物吗？

传统音乐不少是各地的土著广场舞舞曲，后来要么摇身一变，从“条顿锅庄舞曲”变成了《蓝色的多瑙河》经典华尔兹圆舞曲；要么变成了鲍勃.迪伦那样的“游吟诗人”、嬉皮士风格，跑去地铁口或者乡下小酒馆里玩的乡村民谣。
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～作为传统舞曲那当然要配合舞蹈，不光节奏型要稳定，探戈舞曲的节奏型还有多小节的复合节奏型。每首曲子的长短，段落的起承转合也要契合舞蹈的需求，“内容决定形式”嘛：总不能跳舞跳到兴头上，俩人激动的要彼此拥抱，这边舞曲来个慢拍子，让全场人们都慢下来围观～好嘛，这乐队艺人还要不要出来混了？
（要混饭还是要音乐？to be or not to be？艺术和金钱从此分道扬镳）
～中国古代的曲牌、词牌也有对应的曲调格式；蓝调音乐的源头-黑人灵魂歌曲、以及弗拉门戈舞曲艺术、爵士乐同样有类似多少个节拍/小结之后就进行乐段转换；欧洲的古曲也有类似“卡农曲”这样的和声及曲调段落固定的编排（有点像“八音盒”的曲式排列～卡农Canon这个词根本来就有“绕着棍子转”、“罐子”的意思）。这些大约构成了“赋格曲”的元素。这也催生了今天民谣弹唱与即兴伴奏中，和弦伴奏的“万能和弦”进行模式。
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～摇滚乐开山派中，比“滚石乐队”还拉风的“披头士乐队”，早年就在德国的啤酒馆里跑场子，唱live现场音乐。后来才被英国唱片公司发掘出来。
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浪漫派音乐（理查德.克莱德曼那样的）也是反传统音乐，传统乐理书里找不着的就是浪漫，贝多芬当年都能算浪漫派，只不过贝多芬那年代太早，到今天已经摇身一变，成了“古典音乐”甚至“经典音乐”，或者说的谦虚些（或者不谦虚些）叫做“严肃音乐”。
所以今天摇滚乐和爵士乐觉得即使是浪漫派音乐也不妨来颠覆一下。
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“否定之否定”，按这个逻辑颠覆下去，又有了“后摇滚乐”~摇滚乐之后颠覆现有摇滚乐的音乐。

• 用耳朵指导演奏/演唱；
  

• 给乐曲赋予“自己的”独特体会；
  

• 尝试作曲～从起步就开始，这可以帮助你更深刻的懂得“为什么这样弹/唱？”
  

• 理解音乐是一门艺术～经典乐理是大规模实践总结下来，才有了今天一眼就能看穿的“平凡解”（与数学上的“平凡解”意义相同），不要“甘于平凡”。
  

举个例子吧，
弹过吉他和弦伴奏的都玩过“C-G-Am-G-F-Am-G-C”的“万能和弦”吧，这就是站在“神童”莫扎特的肩膀上，不信你看：
学吉他也好，钢琴、小提琴、二胡、笛子也罢；大都弹过“11.55.66.5-44.33.22.1-”《小星星》“一闪一闪亮晶晶，满天都是小星星”是吧。

“一千个读者眼中就会有一千个哈姆雷特。”
从这个例子我们可以管中窥豹的接触到音乐艺术的魅力：莫扎特的音乐美吧，当然啦，莫扎特用音符铺垫出一条《小星星》的音乐之路：活泼、流畅，就像春游踏青般的生动…哪怕你在几百年后的今天让三岁的小娃娃爬到钢琴上，也能挥着稚嫩的手指敲出来。
“内容决定形式”，当人们随着工业革命带来的现代社会生活的改变，对音乐表现和演奏技术的实践，也进行着不断的拓展和丰富。
到了今天我们可以看到，在莫扎特蹚出来的路上，后人有的踩着滑板鞋飞过，有的背着吉他让答案在风中飘过，有的人每天下午三点准时出门走过…而这些后人又走出了自己的风采。一代又一代，经过后来的人不断的探索和拓展，音乐艺术这条路终于越走越宽，越走越远…从而让这条路本身也变得隽永和伟大。
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而“贝斯音”在演奏中最重要的/不可取代的作用，就是用强悍的重低音，标记出乐曲这条路的“落脚点”，类似一篇演讲的结论。

～这也是一个从“自发”到“自觉”的过程。对这两者的区别，也许有个办法可以换个角度看：“他觉”和“自觉”。所以音乐审美有句话：“聆听音乐也是一个创造的过程。”

• 节奏吉他 空出两根高音弦，留给主音吉他去覆盖；
  
• 节奏吉他空出两根低音弦，留给贝斯去支撑；
  

• 古典吉他通常是用一把吉他把上述这些低-中-高（和声）+旋律的声部全覆盖；（这也是古典吉他演奏和小提琴演奏的重要区别。但是对于高手无所谓，帕格尼尼横跨小提琴和吉他，今天的小提琴和古典吉他教程里还能看到他）
  
• 民谣吉他通常是用一把吉他把低-中-高（和声）+节奏（鼓）进行覆盖，把旋律声部留给歌唱的声乐。
  

黄家驹上图这个玩法大概算是“小横压”，左手大拇指帮忙按住了低音弦。

黄家驹演唱《真的爱你》C调，使用了高把位G和弦：
从上一个乐句“春风化雨暖透我的心”的食指横压1品F和弦伴奏，模进到食指横压3品的G和弦伴奏下一个乐句“一生眷顾无言的送赠”。

• 手型不变，也就是和弦音阶之间的排列关系不变；
  
• 把位提高2品，也就是所有和弦音阶提高一个大2度。
  

【乐理分析】这个和弦进行，完成了从从下属功能的Ⅳ级和弦，到Ⅴ级属和弦功能的“和弦进行”，而这恰好对应这首曲子从A乐段主题部分向B乐段副歌（高潮）部分的《曲式学》乐段转换。是个《和声学》教科书上常见的乐段结束的“半终止”玩法。并且，这里用到了“和声模进”。
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【吉他和弦把位技巧】这里从F和弦到G和弦，为什么不使用低把位的开放G和弦，而需要使用高把位的横压3品的G和弦？
～因为这样的和声进行，让全部的伴奏和弦内音，都同时向高音“爬坡”了一个全音阶（461→572，根音在吉他第4弦，空弦音为D）；这能够制造更强烈的“不和谐”进行到“和谐”的和弦效果，让听众更明显感觉到“猛加一脚油门下去制造的推背感”，给所有听众一个提示：乐曲的高潮要来了。
如果使用低把位的开放G和弦，那就是（461→257），这个开放G和弦此时变成了第二转位和弦；这个玩法放在一个乐段内部，连接前后乐句会更加平滑、顺畅，这也是《和声学》教科书给出的和声进行的“旋律连接”方式，避免了“四部同向”。
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【探讨】
所以如果黄家驹在乐理上只采用个皮毛，就像和声学的课程练习交个作业混个及格那样；或者玩吉他偷懒一点，用个低把位的G和弦，也能对付过来。尽管今天，黄家驹有学过多少乐理这个问题已经没法去问他本人了，可是他会甘于平庸的“和声解决”方式吗？他那种唱高音的爆破音特色就被磨平了。
“内容决定形式”
～作为听众，你会希望在演唱会上，乐队就这样用平庸的方式对付你吗？
【补充】
作为吉他高把位封闭和弦（大横压或者小横压），还有个很重要的好处：

• 就是可以用左手按弦的手指对上一个乐句的全部伴奏音进行“制音”，弹出休止符（技术上，这个靠吉他右手制音也能完成）；
  
• 甚至虚按琴弦，从而抑制住吉他弦上的泛音，扫出一个“闷音”节奏（这个靠吉他扫弦的右手制音就玩不出来了），这也是摇滚电吉他的常见技法～重金属的“咔咔咔”的强力三和弦伴奏就是这么玩出来的。
  

【小结】
～和大众一样，我的音乐听觉辩识，也做不到象专业音乐人那样，能听出来一个G和弦，到底是转位和弦还是没有转位的原位和弦。如果不学乐理，我可能也看不到黄家驹面临的“选择”，但这不影响我在学乐理之前就听得到这种爆发的“推背感”。

弹吉他的人要面对的灵魂之问：你会弹成都吗？用挂留和弦，你可以把勃拉姆斯《摇篮曲》，弹成《成都》。
当然，你也可以说，这是从李叔同的《送别》里变奏出来的；或者德沃夏克《自新大陆交响曲》里来的…为什么不可以呢？每个人都可以有不同的音乐欣赏体验和音乐表达。

简单的说：杨氏定律物理上说的是驻波的合成，体育上说的是你打棒球手握球棒的位置放在哪里不会“震到手”-注意：这就和钢琴的手感控制相关了；放在中医上可能叫做脉象，放在西医上叫做“心电图”；
乐理上叫做泛音列～泛音列的不同组合决定音色，数学上叫做傅立叶变换/以及“调和级数”。

有论文说是1800年前后，当时德系钢琴触发器被英系的取代（貌似英系的音色更硬），所以贝多芬的《月光》和更晚些的《命运》钢琴弹奏方法和音色风格都有变化。
“击锤敲击琴弦开始振动～止音器终止琴弦振动”，这一段时间的长度，随着弹奏力度，是会存在变化的：这意味着这段变化的时间里，琴弦向空气释放的“基频+泛音列”的频率比例可以是不同的。

这个故事告诉我们，今天钢琴之所以能够成为为“乐器之王”，而不是管风琴、不是小提琴…
那是曾经由“物理之王”亲手拿着调音锤敲过的。

～由此上溯2500余年前的人类“青铜时代”，毕达哥拉斯也是拿着锤子敲击琴弦研究音乐乐理的。

～和毕达哥拉斯同时代的孔子“三个月不知肉味”拿着锤子敲编钟研究音乐，那个时代的曾侯乙编钟从正面敲和从侧面敲就是两个音-“一锤两音”。

气流谐振和频率变化的关系，这个课题是亥姆赫兹完成的（弦振动方面，物理和数学家着手解决的比较早，欧拉、伯努利、达朗贝尔都有插一脚。直到今天，丘成桐带着一帮物理、数学的博士后还在死磕这玩意～改了个名字叫做“弦论”。这个月播出的科幻小说改拍的电视剧《三体》开篇说的就是弦论物理学家-杨冬：逻辑上，如果“物理不存在了”，音乐也就变成“不能承受之轻”了吧）

这个故事说明遇到一个好老师是多么重要啊。至于说这些东西扯到一起，有啥关系呢？
关系是这样的：因为二十余年前，我大学数学老师教的好，所以我没有挂科；那么省下来补课重修的钱，我又恰好买了如何弹奏和抑制电吉他泛音的教程，所以你今天能刷手机看到这些～大致就是这个关系吧。

亥姆霍兹本人最自得的一件事就是解出来欧拉都没搞定的流体涡旋振动方程，然后就顺便建立的今天的音律体系。

• 亥姆霍兹的徒弟是赫兹，（就是频率单位的那个“赫兹”，频率决定音高，也就是决定一个乐音到底是“中央C=261.6赫兹”还是“标准A=440赫兹”；频率还决定了各种波搭载信息的能力“带宽”，比如你用5G赫兹的手机刷到这句话比4G赫兹信号来的快，那就是因为你用的电磁波通讯频段里面的“赫兹”数量更多）
  
• 赫兹的师侄是爱因斯坦。（就是拉小提琴整出来相对论的爱因斯坦）
  

某种意义上，手机5G通讯和4G通讯就是用大致差不多的电磁波能量强度（分贝），传递不同算法的泛音列（音色）。

电吉他音色广义的“失真”音色效果有三大类：
（截止）失真、超载（失真）、法兹；
大致就是三类波形处理方式。
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另外，“不失真”的“混声”效果还有三大类：
延长/延音-停顿/压缩、重复/延迟回音-单声/清音原音、以及放大/增益-削弱/弱音。
我们今天听到的电声乐，甚至后期/同步混音的流行歌曲，基本都是上述各种方式的组合。

• 【观点】如果把波形的“山尖尖”削掉，保留下来富士山那样的形状就是“截止失真”（distortion）反之，
  
• 如果把削过的“山尖尖”保留下来，象漓江山水那样一座座山峰孤单的矗立在田野上，那就是“超载失真”。另外，
  
• 如果把原始的正弦波，削成万里长城那样的非圆弧角的“折角转弯”（连续不可导）的“包络线”，那就是“法兹效果”。
  

• 截止失真：也就是通常说的失真（狭义的失真），就是削掉波峰的浪尖得到的“海啸波”。把声音的能量尽量集中到低频上，不要空灵，不留空间，就是声浪的“暴力海啸”向着耳膜平推过去～一波接着一波的推，那不就是“摇滚”吗。（想象一下呐喊到失声的音色～比如周晓鸥的“沙音”）
  

迈克尔.杰克逊《Beat it》强力动感的前奏吉他旋律，就是用失真音色弹出来的。感觉把推土机都开到耳朵里了。

类似这样的玩法，窦唯还在黑豹乐队做主唱的时候，《无地自容》这首歌就是这么玩的。

相比之下，超载音色没有截止失真那么强悍，而是强调了清澈的识别度。所以也可以用来表达-孤独，比如王菲《容易受伤的女人》吉他间奏中使用的超载失真音色。
（“孤独”不是倾盆大雨浇下来没人给你打伞，而是你走在大雨中，连雨点打湿你的感觉都丢失了…就像“天空没有留下翅痕迹,但我已经飞过”～这段间奏中，有一段快速的和声模进，伴奏音符就像密集的雨点扑面而来，但是吉他的超载音色仍然能够演奏着旋律穿行而过）

• 超载失真：从三极管信号放大电路来看，也是信号放大导致的失真（广义失真），但是超载失真并没有过分到让波形陡峭到“消峰”的程度-只是让音波变得很消瘦，波峰和间距很大，形成了一个个“孤立波”-于是听觉上“颗粒感”很好，很清澈，很容易辩识，仿佛过滤掉所有杂音一样。（想象一下张靓颖的“海豚音”～某整程度上，这也许就是古典钢琴演奏讲究的“好的音是音量很弱还能传到很远的听众”的意思吧：用精准的泛音列把声音不断往外部空间堆叠，就像水滴的波纹一圈圈在平静的水面扩散到远处…这很唯美，但是～后现代音乐的审美变了，除了古典的德彪西、李斯特，浪漫派的理查德.克莱德曼，还有更多元素被融入音乐）
  

beyond乐队《海阔天空》尾奏的电吉他solo，看乐队名字就知道人家用了“过载效果器”-差不多同时期中国大陆也有过一个乐队叫做“超载”，当然这个音色还有做其他的失真和合唱效果的合成。使用过载效果制造了旋律音中增强中高频段波峰，形成“山峰”俯瞰大地的效果。

• 法兹效果：消除波形中圆润的部分，把圆润的波形变成到处都是台阶状的棱角，变成一个“锯齿波”。大致是压制“基频”的长波，保留和放大泛音列的“短波”，这就像一堆小蜜蜂围着你“嗡嗡嗡～”或者用法兹音效最出的来历：划破喇叭的撕裂声。（就是破锣嗓子，只不过这锣破的恰到好处，撕裂锦帛的声音成语里叫做“断帛裂锦”，就是类似“法兹”的残缺美；类比一下张乙在《听心》中演唱的“烟嗓”～哭到喉咙都哑了-失恋的痛苦不是把花盆“砰”一锤子砸碎就完了，是一把带着锯齿的刀子刺进心头，反复的切割，割到你疼的不停抽抽，还得清醒的分辨这些滋味）
  

张信哲《爱如潮水》“不愿别的男人见识你的妩媚，你可知道这样会让我心碎～”这之后的间奏，大约就是配上法兹音效制造撕心裂肺的电吉他solo吧

• 蛙鸣/哇音效果：大致是用“延时”形成类似回声的效果～把波形复合成“重影波”，这就像把声波闷在一个盒子里，再留一条缝隙：只有符合缝隙的波才能钻出来～就像捏着鼻子说话的声音。（现在有些歌手修音后的“电音”效果也类似～邓紫棋号称是自带电音的共鸣音效，另外冯提莫在《佛系少女》中的演唱也使用了电音）（那么也许就是“延时/合唱效果器”+“截止失真效果器”的组合）
  

陈慧娴《千千阙歌》的间奏在“因你今晚共我唱…”之后，电吉他就选择了类似蛙鸣的失真效果，大致就是“影影绰绰，执手相看泪眼”的感觉吧。
二十年前在校乐队弹这首曲子的solo，貌似是四川音乐学院出的乐谱，间奏这一段solo上注写的音色是“电匹克”，听着磁带又不像是摇滚乐那种失真音色，跑去问师兄，师兄也一脸懵圈：“那就从效果器里找一个不同于失真的音色吧～要不就翻八度换个弦弹试试…”
然后读到大三学习《电工与电子技术》，才知道三极管放大电路里有个“尖峰失真”，英文pick，除了可以翻译为弹吉他的拨片，本意是山峰的那个尖尖～就是“奥林匹克”的“匹克”～正好和截止失真相对应。

• 金属效果：大致就是升压变换器（boost）提供一个“背景噪声”，形成“阻塞干扰”，制造出尖锐的“针型波”这波形看着就像噪音～波形陡峭的象针扎一样尖锐。（所谓死亡摇滚的“核嗓”，又脏又噪，当然你也可以说这很有穿透性～就像你要把声音从高峰期的地铁人流里拼命“挤”出来，很“炸”~就像炸毛的猫那样愤怒。辛辣的火锅不也很刺激吗？唐朝乐队的主唱-丁武，就在《梦回唐朝》里使用了让人难忘类似京剧的尖锐唱腔）（那么也许就是“噪音/压缩效果器”+“超载失真效果器”的组合）
  

不知为何，说起电吉他重金属音色，我总是想起“二极管反向击穿”。

“哦吼～哦吼～你何时跟我走…”1986年崔健呐喊着《一无所有》，把中国大陆的第一代摇滚人带上了摇滚的道路。那时的舞台和电声乐设备还做不出“刺破黎明前黑暗的光芒”那样尖锐的效果，只能求助于唢呐的嘹亮和鼓噪。今天这样的嗓音貌似也叫做“怒音”。
“哦～少安…”同样是在1986年，作家路遥的小说《平凡的世界》出版，在书中，老迈的父亲远远的站在黄土高坡的田埂上，呼唤着哥哥。音色苍凉！

～用分贝的音量去弥补音色的刀锋，就像是挥舞着远古的青铜琅琊棒，去叩响神话传说中“叹息的墙壁”。
现代物理学发现：星系中的一切金属元素，都来自恒星爆发那一瞬间强烈光芒的聚合。也许金属的光泽，才是最接近阳光的璀璨吧。

～有趣的是，崔健之前，中国大陆就有取名和太阳七色光类似寓意的“七合板乐队”-崔健还跟他们有一腿，崔健那时候的作品《小毛驴》还真就像是给唐吉诃德跟班的那头～只是那时谁也没想到这竟然是头倔驴。崔健之后，紧接着还有向重金属风格致敬的“青铜器乐队”，这个乐队的主唱就是那个《同桌的你》～“老狼”。
（谁能想到这些人今天都是“盘起了你的长发”，“保温杯里泡枸杞”的油腻大叔呢…今年是2023年啦，几十年下来，要问崔健算不算摇滚？这几个老炮可能最有发言权。）

“哦吼～嗷…噢！我有我心底故事…”1991年黄家驹唱出了《不再犹豫》，随着大功率的增益效果器的使用，吉他的solo音色终于在前奏1→4的“强进行”中绽放出金属一般的光泽～穿透人们的心底。
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（我自己曾经一度以为《不再犹豫》这段solo，我弹的总是追不上我师兄，差距在不够熟练、技术不够流畅连贯，直到我们乐队的键盘手告诉我：“（和技术无关）听上去就不是一个感觉”；我才意识到这段间奏的精髓不是克莱德曼弹奏“水边的阿狄丽娜”那样行云流水一般优雅柔美，而就是要弹的锋利，弹出拼刺刀一般的勇气。我记得乐队键盘手还说过：“听听别人家乐队用的合成器是电钢音色卡，弹'海阔天空'的钢琴声部，音色硬邦邦的（就像《命运》的敲门声铿锵有力）”相比之下，那时我们乐队的键盘还是卡西欧电子琴，钢琴音色比起来就是个玩具“八音盒”。）

• 音乐组成：动机→曲调→旋律→主题→交响曲
  
• 曲式学：小节/乐汇→乐句→乐段→乐章→体裁
  
• 织体学：节奏→音层→和声→声部→风格
  
• 和声学：音阶→和弦→色彩→功能→气氛
  
• 复调式学：调性→对位→主调→复调→赋格
  

我自己学乐理，是看到复调式学，回过头，才理解和声学。
～要不是听人说起，我还不知道原来和声学起源于复调音乐。
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因为我学乐理不是为了高考考艺考的，而是为了解决弹电吉他如何给中文流行歌曲弹即兴华彩solo的。
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和声学→曲式学→织体学→复调式学，一路找过去，才算是乐理上逻辑自洽了。
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还好我们学校图书馆资料还够，书店都找不着这些资料。
（织体学的那本教材真是一言难尽，有个章节写了华彩，是钢琴的，那五线谱画的和瀑布一样，我拿电吉他拼手速吗。）
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翻了些乐理资料，我没看过外文的，中文资料里面“调性”的表述，都快成玄学了。
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然后到了“曲式学”里面，“咣当”一下，书里就把多声部干上了。
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这中间断档了。
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类似的概念还有“和声”（harmony）与“和弦”（chord），后来是查阅乐理史，才知道“和声”最早是从人声合唱出来的，然后“晃荡”一下，书里面五线谱就怼上了“柱式和声”。
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中国老百姓，没经历过礼拜堂“唱诗班”，所以上面这些概念，西方觉得理所当然，我们对照京剧戏曲总是对不上号。
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甚至今天流行歌曲里“主题”、“副歌”还大把人分不清…