日本音乐家坂本龙一于 3 月 28 日因癌症去世，如何评价他的 ...

694207667 · 发表于 2023-4-4 21:39:35

被誉为“世界的坂本”的音乐家坂本龙一于3月28日去世，享年71岁。
坂本龙一是日本男性作曲家、钢琴家、歌手、唱片制作人和演员，出生于东京都中野区，是黄色魔术交响乐团的成员，其与乐队成员细野晴臣、高桥幸宏对迷幻浩室和合成器运动有着开创式的世界影响，并以以追求多元化的风格影响着电子音乐流派。并参与创作了许多经典电影原声带，如末代皇帝，圣诞快乐劳伦斯先生，遮蔽的天空等。

含羞草 · 发表于 2023-4-4 21:40:17

看了这个问题下面很多人都在来来回回说他的履历，他年轻时候的政治立场，他参与的环保活动，他演过的电影，他的人生态度，没什么人说他的创作本身，那我简单说说。
在我看来，作为一个音乐人，坂本龙一最难得的品质有三：其一是熟稔作曲技法后对技法的运用、打破和融合；其二是在将近五十年的职业生涯里对各种不同风格、不同流派、不同创作手法、不同地区和民族特性的音乐，都一直保持了一颗好奇心和探索精神；其三是作为接受过正统作曲教育和训练、科班出身的音乐人，在职业生涯大部分的时间里，能够一边照顾普遍缺乏音乐教育背景的大众审美，一边又以对自己作品负责任的态度来进行创作，既不媚俗也不媚（专业意义上的）上。
对于一个依靠创作为生的音乐人来说，这三点要做到任何一点都非常不容易——不求突破就容易落入窠臼，探索太深又容易曲高和寡，迎合市场往往被人批评“吃饭嘛，不丢人”，功力不够则肯定会在不熟悉的流派和风格里露怯。坂本龙一并不是没创作过平平无奇的作品，但像他这样，能常年在多种风格的创作中基本保持较高水平，并且在商业成绩和艺术水准两个维度上都得到普遍认可的创作者，少之又少。
下图是坂本龙一的母校——东京艺术大学[1]作曲系对考生的要求，有志学习作曲的音乐专业考生应该清楚这一串要求有多变态。而五十年前坂本龙一能轻松考进去，又能轻松毕业，足见他在常见古典音乐体裁的写作、演奏、对古典音乐的理解、古典音乐历史这几个科目的功底。当然这种娴熟后来也体现在了他很著名的几部配乐作品中，比如《末代皇帝》。

这是前年的入学要求：管弦乐作品总谱一份，室内乐作品总谱一份，任意风格作品总谱一份，命题四部赋格现场写作（限时六小时），给定旋律的和声重配现场写作（限时五小时），和声知识考试，乐谱视奏，莫扎特/贝多芬/舒曼/门德尔松/勃拉姆斯/舒伯特指定作品视奏

但坂本龙一从学校毕业后的第一步就和传统意义上的“作曲“没太大关系：他和细野晴臣、高桥幸宏一起组建的合成器流行（Synthpop）/前卫电子（Progressive Electronic）乐队Yellow Magic Orchestra（YMO/黄色魔术交响乐团），以及自己的个人专辑《千のナイフ》。仔细听他职业生涯早期的几张作品，能很明显地听出来坂本龙一是如何把一条朗朗上口得有烂俗风险的旋律[2]，用仔细雕琢的音色和制作，以及不过分花哨但又足够有层次感的对位和声技巧包装后，很精致地呈现出来——请不要小看这种工作的技术含量和难度，能够把旋律、和声和行进写得好听、朗朗上口又不落俗套，并不容易。
YMO的横空出世对于电子音乐进入主流市场视线并成为文化潮流的意义不必多言，对后世音乐人带去的灵感和影响也已经是老生常谈。当然会有人说YMO无非是撞上了日本经济腾飞这个风口，在美国先火了之后“出口转内销”才引起日本国内的重视和包装，这话虽然不算错，但也未免有些抹杀YMO本身的精彩。坂本龙一自己虽然并不是没利用过YMO这块金字招牌[3]来给职业生涯铺路，但他也没有以“让自己成为国民偶像“为意图来主导成名后的创作，这很难得。在配乐工作中除了娴熟地运用管弦乐编配，能在80年代初那个时间点就有意识地在电影配乐中用到古典音乐范畴之外的民族乐器[4]，也很了不起。

几年前买的Thousand Knives再版

至于后来融合了中国传统音乐的《末代皇帝》配乐，融合了凯尔特/苏格兰高地传统音乐的《呼啸山庄》配乐，融合了南亚次大陆传统音乐的《小活佛》配乐，在与Willitis、Fennesz、Alva Noto等实验电子音乐人合作之后，融入氛围电子、故障音效（Glitch）、电子原声（Electro-acoustic）的《荒野猎人》配乐，以及坂本龙一自己近些年来的个人作品[5]和钢琴独奏，都是他在音乐创作过程中不断探索其他流派和创作手法的注脚。
相比起同辈的很多电影配乐作曲家和音乐人，坂本龙一往往更愿意学习、借鉴、引用和融合那些自己不熟悉的音乐元素，而且历次借鉴的效果往往也还不错。他（以及其他几位电影配乐作曲家）对于电影配乐这种表现形式的变化演进，起到了推动作用：在传统的音乐写作这个维度之外，对于“声音”、“声效”和“声响效果”这些维度的注重，以及对于采样的运用，也影响到了当下配乐的发展。
这就是作为音乐人的坂本龙一最让人钦佩的品质：时刻保持着好奇心，努力学习和探索自己不熟悉的领域，用负责任的态度对待自己的审美和自己的创作，不故作高深也不刻意媚俗，在各种各样的变故中仍然尽力保持好的创作状态和创作品质。
附上我认为最能代表坂本龙一职业生涯各个阶段，也最能涵盖他丰富的创作语汇的几张作品吧。
千のナイフSolid State SurvivorThe Last Emperor Original SoundtrackCoda1996A Day in New YorkInsenPlaying the Pianoasync

xo8CcA · 发表于 2023-4-4 21:40:36

1978年2月，细野晴臣邀请了坂本龙一和高桥幸宏到他家里，讨论一件即将影响到整个日本乐坛、乃至现代音乐的构想。
在坂本龙一的回忆中，这个重要的日子却逐渐记不清了，
他唯一记得的，是桌子上随意摆了几个橘子，细野晴臣便开始给两人画大饼，说出“你要想进军世界，就把我当垫脚石吧。” 、“干到美国第一单曲，先卖个400万张唱片！！”诸如此类的话。

年少的坂本龙一被忽悠得头昏脑胀，但狂傲不羁的他碍于面子，装作勉强答应的样子说：“我会以个人工作优先，不过有时间的话……倒也可以试试。”
反观高桥幸宏，则是被忽悠成功，直接答应下来。
这一幕就是世界传奇前卫电子乐队:YMO——Yellow Magic Orchestra，黄色魔术交响乐团，成立那天的故事。

从左到右：坂本龙一、细野晴臣、高桥幸宏
这看似可笑，甚至有些寒酸的一天在日本后来变得像传说一样著名。
几十年过去，很多人关于这支乐队的记忆已经模糊，以至于在今天，包括这支乐队在内的音乐类型也彻底沦为小众。
我的很多朋友形容它时大概会用如下的词：结构奇怪、听感吊诡、无法调动情感、情绪、令人不适。
TECHNOPOLIS (2018 Bob Ludwig Remastering)

还有的人表示大量的电子合成音色实在令人感到冰冷，从打动人这一角度上来说，实在是令人无法接受的艺术。
然而非常有趣的是，在如今大部分听众领域无法被接受的YMO，实际上在音乐人群体中，有着极高的评价与影响力。

在上世纪，世界上受到YMO影响的音乐类型、乐团、音乐人多不胜数，单单是电子合成器领域，YMO所辐射到的音乐便高达六七种：新浪潮、Hiphop、Synth Pop、House、Techno。
这也是我们今天需要顺带讨论的问题，同样的一支乐队，为何站在音乐人的听感中是甘之如饴，在普通听众的耳朵则是令人不适？
我们可以通过了解YMO这支传奇的前卫电子乐队，去解构一下其中现象的含义。

不停被强调的“东方”元素

Yellow Magic Orchestra——黄色魔术交响乐团，这支乐队的构想是由细野晴臣提出，原意是指由黄种人创造的音乐。
这源自于细野晴臣长久以来的愿景：用音乐让世界看到来自黄种人的力量。

如果你稍微留意一下，就可以从YMO的音乐中感知到大量被强调的“东方”元素。
東風 - Yellow Magic Orchestra (黄色魔术交响乐团) - QQ音乐-千万正版音乐海量无损曲库新歌热歌天天畅听的高品质音乐平台！

比如他们的第一张同名专辑中的热门单曲《东风》，这首曲子在旋律上的灵感实际上源于我国的《让我们荡起双桨》。
让我们荡起双桨 - 中央人民广播电台少年广播合唱团 - QQ音乐-千万正版音乐海量无损曲库新歌热歌天天畅听的高品质音乐平台！

在他们的第二张专辑《Solid State Survivo》封面海报上，采用了中山装、红、黄、官帽椅，这些大量的中国元素。

之所以采用，是因为当时小泽征尔在北京指挥交响乐团，在报纸上的照片中，中国音乐家的纯真、端正与喜悦感染了细野晴臣和坂本龙一。

于是三人拍板，在专辑封面上模仿了那些中国交响乐团团员的发型——后来被称作Techno cut，随后风靡日本。
今天，许多中年的日本男性仍然留着Techno cut的发型，在有棱有角的头发线条上，再剃掉中层和下层的头发。
坂本龙一就是这个发型的代表。

包括在细野晴臣的个人作品《北京烤鸭》中，也始终坚持在爵士乐的基础上，营造出一种东方色彩。
北京ダック (Live at The Mayan Theatre, Los Angeles, July, 2019)

为什么YMO要如此强调这些来自东方的元素？为什么细野晴臣始终强调“黄种人”这一概念？
这一点我们也许能从他的经历中猜测到一些蛛丝马迹。
实际上比起YMO，细野晴臣还有另外一个身份，日本祖师爷级摇滚乐队Happy End的贝斯手。

我们都知道，日本在二战战败后被美军所占领，而当时的美国摇滚乐，也不可避免的作为一种舶来品，在日本本土进行传播。
而日本的年轻人平日里接触到最多的音乐就是美式摇滚。在这种文化输出下，日本的年轻人也开始创作摇滚乐，然而在这种背景下，缺乏文化自信是那一代日本人的常态。
日本音乐界也经常为了“是否该用日语唱摇滚”这种问题吵起来。他们列举出来了很多佐证，例如“日语不适合摇滚的旋律和节奏”。
“摇滚乐只能用英语唱”是那一代日本音乐人潜移默化中的意识。
细野晴臣生活在这样的文化背景下，对由白人所主导的文化潮流产生不满是非常正常的事情。

很快，由他所领导的Happy End便是第一支用本土语言唱摇滚的乐队，所以Happy End这支乐队也被称作「日本摇滚乐的起点」，直接影响到了之后的整个日本乐坛。
風をあつめて (集风) - はっぴいえんど (Happy End) - QQ音乐-千万正版音乐海量无损曲库新歌热歌天天畅听的高品质音乐平台！

细野晴臣也是从那时起成为了日本音乐界的领袖人物。
这时我们也许可以猜测出，为何YMO的音乐理念是「用音乐让世界看到来自黄种人的力量。」
但时代背景不仅仅是细野晴臣如此努力的原因，关于他有一个非常有趣的八卦，他的祖父是沉没泰坦尼克号上一位幸存的日本钢琴师，细野正文。
而如果你了解这个名字的话，就会知道这个名字在全世界曾经有多么臭名昭著。

这是因为在当时，美国作家阿奇博·格雷西四世写了一本书名叫《关于泰坦尼克号的真相》，在这本书中，细野正文是假扮女性混上救生艇的小人，其他的白人男性都是勇于牺牲自我的英雄。
此书一出后，立即掀起轩然大波，日本的全社会都认为细野正文给日本蒙了羞，他的事迹甚至被记入了日本的小学教科书中，作为卑劣行为的反面教材。
而细野正文的一生也被钉在了耻辱柱上，以至于细野这个姓氏，在当时的日本都成为了贬义词。
而美国与英国媒体，在当时的报纸上大肆宣扬幸存的7名亚洲人（六名中国人和细野正文）通过卑劣的手段活了下来，以此来论证黄祸论。

然而在许多年后，电影《泰坦尼克号》上映之时，细野晴臣将当时的手记公布出来，在经由官方核对后，确认了细野正文当时是在获得许可的情况下上的救生筏，并不存在”男扮女装“这种行径。
然而一切都为时已晚，细野正文也早已过世。
细野晴臣如此强调用“黄种人”、“东方人”这样的文化身份来创作音乐，很难不令人联想到这其中的缘由。

坂本龙一

相比于细野晴臣这种试图用音乐改变世界的“温和”理念，坂本龙一年轻时的脾气就暴躁许多了。

在YMO三人中，他是实际上最“暴躁老哥”的那个，在他的自述中，他之所以对电子音乐以及YMO产生兴趣，是因为他觉得“西洋音乐已经发展到了尽头”。
据坂本龙一说，YMO不想模仿西方音乐，而要做一些“来自日本的原创产物”。
他在七十年代中期听到了德国电子乐队Kraftwerk，这也间接让YMO成为了一个用电子音乐作为表现形式的流行乐队。
Europe Endless - Kraftwerk - QQ音乐-千万正版音乐海量无损曲库新歌热歌天天畅听的高品质音乐平台！

然而，坂本觉得Kraftwerk太“正式、理论性、极简、强硬”了。
所以，YMO刻意地避免模仿那种德式的电子音乐，使用了更丰富的合成器音色以及旋律化的合成器线条。事实上，抓耳的旋律、紧凑的节奏和不断的创新正是YMO受到追捧的主要原因。
Firecracker - Yellow Magic Orchestra (黄色魔术交响乐团) - QQ音乐-千万正版音乐海量无损曲库新歌热歌天天畅听的高品质音乐平台！

作为YMO的早期单曲，Firecracker的律动感十分好，甚至被同时代的嘻哈DJ播放，冲入了Billboard的前两百名。

高桥伴着MC-8的咔哒音轨，敲着爵士鼓。在80年代YMO使用TR-808鼓机之前，这种紧凑有力的鼓编排，加上ARP Odyssey和Yamaha CS-80合成的旋律线条，让YMO的单曲时髦而适合跳舞。
而政治理念也是最终促使高傲的坂本龙一能加入YMO的重要因素。

很多人都清楚，他年轻时深受60年代学运思潮影响，非常热衷于讨论政治，从高中开始就开始频繁参加学生的示威游行运动，甚至到上到大学时，他自己已经是指挥学生运动的领导者。
据他自述，那段时间他看着身边的“千金小姐和有钱少爷”，会露出穷凶极恶的表情，扬言要瓦解大学体制。

他对日本的左翼思潮非常感兴趣，并且在高中时就喜欢读《共产党宣言》，列宁的《帝国主义是资本主义的最高阶段》这些书籍。
这让他对我国和我党十分向往，崇尚解放军 “用音乐为劳工服务”的精神。
在1978年10月，他发行过个人专辑《Thousand Knives》，甚至在专辑同名曲中使用了毛主席的《水调歌头.重上井冈山》作为采样。

本就自诩德彪西在世的他，试图找出一种如同“博弈论”一般的方式，让即使没受过音乐教育的人，也可以从创作音乐中获得乐趣。

这种对于“东方人美学”的追求，与细野晴臣成立YMO「用音乐让世界看到来自黄种人的力量」的理念不谋而合。
而YMO也是在东亚人中，为数不多以东方美学为体系，向西方实现反文化入侵，并且成功的一支乐队。

在唱片公司的推广与音乐市场国际化的趋势下，YMO靠着三人的不懈创作，走上了历史的风口浪尖

关于YMO的大火

事实上，YMO的大火并非我们想象中那样一炮而红，即使这支乐队同时拥坂本龙一、细野晴臣这两位天才的超强才华，在刚开始时，日本的本土听众并不买账。

他们的首张专辑，就是那张收录了《东风》、《中国姑娘》、《狂人皮埃罗》这些作品的神传，据坂本龙一自述，这张专辑他们感到相当满意，并且还以他喜欢的导演戈达尔的作品命名。
然而社会大众不仅没有任何反应，连一张都没有卖出去，身边的音乐人朋友听了也说：“这么冷的音乐怎么可能会卖得好！”
而一炮而红的契机却来的非常莫名，YMO在1979年的八月，前往海外巡演，这次巡演改变了他们的一生。

在日本没有任何反响的YMO，偏偏在英国掀起了极高的热潮，这股热潮席卷了整个欧美。以至于当时的滚石杂志上刊登了一则消息：来自日本的流行电子音乐已经准备好侵入美国了。

YMO在国外大火的消息传回了日本国内，一时间日本国内开始争先恐后抢购他们的专辑。
在坂本龙一的回忆录中，他描述，当时的日本希望自己国家的物品在全球获得好评，而他们三人则突然间肩负起了这种沉重的期待，这种感觉令他厌恶。
三人回国后，一时间成为了大明星，YMO每次出行身后都会有狂热的粉丝们尾随。

此时YMO的大火非常值得我们去思考。我认为抛开外物，只谈音乐，YMO之所以会在欧美风靡一时流芳百世，大概有以下几点原因：
首先，YMO是走在音乐制作技术前沿的，这三个日本人总是不厌其烦地使用新出现的合成器、采样器、音序器、鼓机和计算机混录音技术，给听众们带来新奇的体验。

就像坂本龙一所说的那样，“音乐与噪声间并无边界”。
从新中国的音乐（东风），到街机游戏的声音采样（Technodelic），从披头士（高桥的鼓），到古典音乐（坂本的即兴键盘），YMO的音乐探索似乎并无止境。比如单曲Rydeen 就借鉴采样了奔马的节奏，几乎颠覆了八十年代流行音乐人对于采样的认知。
其次，YMO的作品总是拥有歌词的，而且一般是英语演唱的电子朋克味的歌词，这能把他们的影响力扩大到日本以外，跨越语言的障碍。
在英美，他们的演出场场爆满，不少单曲都成为了新浪潮迪斯科舞厅的常驻曲目。YMO的作品被嘻哈歌手们所热爱，他们第一次认识到电子音乐的beat的潜力。
然而YMO的作品并非刷流量的口水歌，《Solid State Survivor》中的歌词折射了当时赛博朋克的文艺风潮，专辑中的单曲《Behind The Mask》甚至被迈克尔·杰克逊翻唱，足见其影响力之大和音乐质量之高。
BEHIND THE MASK (2018 Bob Ludwig Remastering)

YMO坂本
Behind the Mask - Michael Jackson - QQ音乐-千万正版音乐海量无损曲库新歌热歌天天畅听的高品质音乐平台！

MJ改编

展现出的这些优点————无论是电子音乐、现场演奏还是律动性，已经足够让YMO从70年代脱颖而出了。

解散

对于无数乐迷们来说，YMO的破碎实在是莫名其妙，但这却又是一个必然的结果。
在对外的解释中，坂本龙一有一个非常酷的说法：他不太喜欢出名的感觉。
但从三位当事人语焉不详的叙述中寻找蛛丝马迹，解散的原因实际上来源于细野晴臣与坂本龙一。

单论音乐认知而言，细野晴臣和坂本龙一有着出奇的一致：音乐>风格。这也是为什么，两位天才的生涯都几乎涉猎过所有音乐领域.
但就音乐体系而言，细野晴臣的根基来自于西方流行音乐，他自学摇滚、爵士，以及在融合多种异域音乐风格的后期，依然离不开这套体系。

而坂本龙一是古典音乐出身，年少时却对实验音乐、现代音乐非常感兴趣。他自诩德彪西在世，并深受约翰凯奇的&#34;极简音乐“影响。

两位的音乐素养都不相上下，在各自领域也是极其骄傲的人，这点注定了他们只能同行一段路，而不能一起实现自己的音乐理念。
当两人对音乐的不断成熟，水平也不断攀升之时，产生冲突是必然的结果，然而你又怎么能指望这两人其中之一会做出妥协呢？

然而在几十年后，此时在各自领域都已成为卓绝人物的三位老人，也对年轻时的荒唐一笑置之，握手言和。
YMO的三位成员因为兴趣相聚，却终因为志向而分离。YMO如烟花一般，在浮华的泡沫时代灿烂的绽放，光芒仍然闪耀，但烟火转瞬即逝。

这是幸宏提出来的主意：”来弹《Cue》吧！“他开口时，感觉有些顾忌。或许是因为这首曲子里有着太多故事，他担心让我感到不愉快。不过我马上表示赞成：”好啊，就弹这首！就弹这首！“最近我们三个人的泪腺都变得越来越发达，正式表演时，眼眶微微地湿了
——坂本龙一

YMO的生涯，为现代音乐产生了非常巨大的影响。
对日本音乐来说，八十年代，YMO的年轻歌迷被称为“YMO世代”，这批歌迷也将是后期日本City Pop音乐的消费主力军，可以说YMO塑造了一代人的审美，为City Pop一类音乐开拓了市场，也铺平了道路。

City Pop中常见的合成器演奏，可以说就有对YMO的继承。
从他们之后，日本流行音乐开始逐渐被电子和计算机音乐所主导。
不止如此，YMO对美妙旋律的重视，还启发了古典音乐作曲家久石让。可以说，YMO继承了日本音乐的许多传统，也开创了新的流行音乐局面。

YMO创作的电子音乐，给发展中的嘻哈音乐注入了新的血液。他们率先使用的TR-808鼓机，将逐渐成为大量嘻哈制作人的标配。

这种探索向嘻哈制作人们展示了beats的另一种可能————beats可以是充满合成器的旋律的，而不是单调的鼓节拍。
YMO通过自己的音乐向大众证明了，合成器的声音完全可以灵动抓耳，而不是僵硬死板。

这也正是Synth Pop这种曲风的起源。YMO之后，电子音乐开始不在作为一种单独的音乐曲风，很多的电子乐器（比如合成器、采样机、声码器）都开始向其它曲风渗透。
YMO更是用一己之力推动了House（浩室）和Techno（铁克诺）等电子音乐曲风的形成。可以说，没有YMO，今天的夜店或许仍在播放某种迪斯科。

回到我们开头所讨论的那个问题，为什么影响如此巨大的YMO，今天却成为了小众？
我的朋友非常奇怪，为什么有些音乐人，宁愿追求这种”奇怪“，而不愿意去做出一些通俗歌曲。甚至在网络上，许多人可能会将它理解为“皇帝的新衣”、“故弄玄虚”。
这里需要确定的是，协和的音乐之所以被称为协和，正是因为简单易懂，或者说模糊不清，不同人才都可以从这个模糊的作品中找到自己的一面，所以才被称之为协和。
但这种协和，或者说共通的东西，实质上是一种容易被混淆的感情，无论与你有多么相似，它始终不够精确。
换句话说回来，为什么优秀的音乐人宁愿追求不协和，也不愿意追求音乐语法的协和、通顺？
因为在表达自我，追求自我的过程中，真正的自我恰恰是一种在他人看来不协和之物，而这正是“他人即地狱”的由来之处。
所以复杂的音乐，是需要理解成本的。
当复杂的音乐发展至极致时，它就像读一本深厚的哲学书籍，有同等的智力探索与思考价值。
远远不止是一种情绪上的刺激、抒发、挑逗这么简单。
然而这其中的价值，仅仅是对于音乐学习者而言，对于普通听众，却并无太大意义。
我们当然不能对听众有任何要求，强迫他人去接受我们所喜爱的音乐。这种要求既任性，又显得不那么切实际。
英国最著名的异议歌手比利·布雷格说过这么一句话：“艺术家的角色不是要想出答案，而是要敏锐地提正确问题，阅听才是改变世界的行动主体。”
就像是YMO，他们从不试图用语言去改变大众的审美，而是通过自己的观察，结合自己的理念，再通过音乐，去表达自己的美学。

他们成功了吗？当然。
语言的尽头，是音乐。
作者：贰十良、Prince

z7b74Z · 发表于 2023-4-4 21:40:49

简单分析下坂本龍一的音乐特质和影响力~
坂本龍一作为配乐家，1983年创作的配乐专辑《Merry Christmas Mr. Lawrence》享誉世界。他在学习 Debussy 朦胧印象派的音乐基础上，摸索出了一种细腻独特、探索心灵的东亚风格音乐。

电影《Merry Christmas Mr. Lawrence》Original Soundtrack 原声专辑~

Merry Christmas Mr. Lawrence（圣诞快乐，劳伦斯先生） - 坂本龍一 - 单曲 - 网易云音乐

《Merry Christmas Mr. Lawrence》和声及旋律~

《Merry Christmas Mr. Lawrence》专辑这种泛东亚、又贴合欧洲二十世纪早期印象派的配乐风格，对日本本土整个配乐作曲界，乃至整个亚洲流行音乐，都产生了很大的影响力。
比如受坂本龍一影响的久石譲、S.E.N.S.，都是其中最有代表性的日本著名配乐家元老们。
以久石譲的作品举个例~
久石譲 1984年《風の谷 (风之谷)》、1985《炎のアルペンローゼ Vol.2 (阿尔卑斯玫瑰)》配乐风格基调，都更多是基于传统欧洲管弦乐派的风格 + 日本传统音乐色彩 + 70&#39; 电子及摇滚音乐，这样的风格合成基础之上。其中尤其以传统欧洲管弦乐派为主。
オーストリア交響曲第1楽章而到了 1986年《天空の城ラピュタ (天空之城)》配乐专辑，比如主题曲《天空の城ラピュタ》，就开始拥有了和坂本龍一近似的细腻朦胧、和声暧昧的东方风格(扩展式东方五声、六声、七声音阶和承自 Debussy 的和声)。
天空の城ラピュタ及至 1988年享誉全球的《となりのトトロサウンドトラック(龙猫)》配乐专辑。比如专辑中著名的一曲《塚森の大樹》，令人泪目的那颗夜里疯狂生长的大树场景音乐，就在和声及旋律创作风格上，更加明显地靠近了坂本龍一的风格色彩。并且从此，也成为了久石譲自己的浓郁风格。乃至，成为了日本动漫电影配乐，和日本现代音乐的特征之一。
塚森の大樹坂本龍一率先尝试融合创造的这种音乐风格色彩，从技术难度上而言并不难，但是它感性，能够轻而易举抓住亚洲乐迷的耳朵同时，也同样能够抓住欧美乐迷的耳朵。

坂本龍一音乐生涯最重要成就~
1978年发行《Thousand Knives》专辑。同年与细野晴臣、高桥幸宏一起组成 Synth Techno 电子流行舞曲乐团 YMO，当时携日本强大的合成器高科技乐器背景，对整个欧美乐坛，包括著名德国电子教父 Kraftwerk、著名键盘乐手兼制作人 Brain Eno、美国流行天王 Michael Jackson 等著名音乐家都产生过影响力。组合解散之后，坂本龍一深耕配乐，研究个人创作风格，在电影、电视广告、出版各领域开拓创新。1983年出演并担任电影配乐的《Merry Christmas Mr. Lawrence》获得英国电影学院奖。1987 电影《末代皇帝》原声配乐获得 Oscar 及 Grammy 影视音乐双向顶流国际大奖。坂本龍一在西方，音乐影响力甚至要超过他的名号影响力。在东方则名号异常响亮。

恶霸 · 发表于 2023-4-4 21:41:08

世界级的音乐家、电影配乐大师、演绎过无人可超越的经典银幕角色、有坚定政治立场的文化人，坂本龙一身上有太多的身份。但当你翻看粉丝们对坂本龙一的评价，就会发现大家对他的喜爱早就超过了音乐范畴，而是把他作为了某种文化icon甚至是文艺生活方式的样本来崇敬的。
大家不仅仅是爱教授，而是是把教授作为某种精神领袖来看待。
虽然大多数的国内影迷观众都是从《战场上的快乐圣诞》认识坂本龙一的，但对于乐迷群体而言，这可能就太后知后觉了。

3岁开始学琴，幼儿园时期就创作了第一首歌曲《小兔之歌》的他学音乐长大，据说在东京艺术大学作曲系上学考试的时候总是第一个交卷，就是那种天生就要做音乐家的天才。
学古典音乐出身，却成为了日本现代音乐的推动者和革新者，1978年和细野晴臣、高桥幸宏一起成立了YMO乐队，第一张专辑还没有那么大的反响，但从第二张专辑开始，YMO一夜成名，转瞬之间坂本龙一就成了不能走在大街上的人，因为是三人乐队中学历最高的那个，「教授」的昵称也随之而来。
说YMO乐队改变了日本音乐一点也不夸张，如今的日本电子乐在世界上处于领先地位也要得益于YMO打开了国门，它是七十年代末第一支从日本火到西方的乐队，很多人喜欢坂本龙一，除了他所创作出的音乐本身的力量之外，也正是喜欢他这种古典音乐背景和前卫性、先锋性的并存。这直接代表了文艺青年心中的那部分反叛性和突破性。

有意思的一点还在于，坂本龙一的大火、YMO的大火和日本的时代进程几乎是同步的。
坂本龙一在七十年代末八十年代初成为世界级的音乐人之时，也恰逢日本成为「世界第一」的时代，当时的日本处在经济腾飞期，他们的电器、汽车跟音乐一样走出国门，一切都是最好的。
在巅峰期1983年就解散的YMO乐队，也因此成为了传奇的一部分，同年就是《战场上的快乐圣诞》，坂本龙一拿出了自己的电影配乐和电影表演处女作，这简直就是天然会受到文艺青年追捧的圣经。
和大岛渚的合作也是反复被说起的奇闻，当年大岛渚定下北野武和大卫·鲍伊都经历了反复推敲，只有在还没有见到坂本龙一的时候，就想让他来出演市野井，原因是因为大岛渚在一本叫做《当代五十位代表人物》的图册中看到了坂本龙一的照片。
当然，是因为他长得太好看了。
后来两人在坂本龙一的工作室里见面，大岛渚把剧本夹在腋下就去了，即便已经看过了大岛渚的全部作品，是他的影迷，但坂本龙一在面对大岛渚的邀请时还是很傲娇地说：「让我做配乐我才演。」
然后就有了这次世纪性的合作。

当时的坂本龙一对电影配乐并不熟悉，甚至还去参照了《公民凯恩》的配乐节奏，中间也经历了各种艰难的过程，但结果我们也都知道了。那首《圣诞快乐劳伦斯先生》已经成为他在电影配乐里的代表曲，甚至数次出现在这些纪录片里。
后来，坂本龙一在自传《音乐使人自由》写到，「我的自信心因此膨胀到了极点，觉得电影配乐不过是这样而已。」

由此，坂本龙一几乎拥有了一个文艺青年完美icon所需要拥有的一切。
才华、傲慢、不设边界，当然，还有完全可以做演员的外表。
文艺青年完美icon和文艺青年的区别在于，大多数文艺青年只是喜欢文化艺术，拥有对它们的鉴赏力。
而文艺青年icon则在喜欢它们的同时，拥有无比珍稀的文化艺术创造力。
就像坂本龙一这样，工作狂的他，曾在两周时间内就写出了《末代皇帝》的配乐，还拿下了奥斯卡最佳配乐的小金人，凭这一项顶级的创作力，坂本龙一就已经足以成为那种所有文艺青年都想成为的文艺icon。
大家喜欢他，是因为他活成了理想中的那种文艺青年的样子。
不过，这还是年轻时候的坂本龙一，还不足以解释文艺青年们为什么这么喜欢他，尤其是教授热其实是在近些年来才在国内掀起的，而这个时候的他，头发都已经花白了。

在访谈中，坂本龙一也说到自己并不会喜欢年轻时候的自己，因为那时候的自己太自私，认为自己可以做成一切事情，这样的态度即便是作为一个还算有才华的年轻人也太傲慢了，他说如今的自己并不会选择和年轻的自己做朋友。
顺着这个角度再去看近些年的坂本龙一，我们或许才能发现他被文艺青年追捧的根本原因。

坂本龙一即便早在七八十年代就实现了世界级的音乐成就，在这些年来也从未放弃过探索音乐和其他艺术的边界。
他为了创作专辑会去到北极，把话筒放到冰海中录音，在雨天把铁桶套到头上感受和收集不一样的声音，甚至还会把音乐做成装置艺术《LIFE》。
他在福岛的时候去往辐射区为灾民们演奏，会小心细致地对待从海啸里打捞出来的钢琴并弹奏它，说那声音是大自然的对抗。

坂本龙一的敏锐、感受力、表达力早就已经超过了音乐本身，也超过了那种国族和民族意义上的文化，从而使得他自己和自己的音乐具有了一种世界性的魅力。
很多时间，你就会觉得他其实并没有在把音乐当成某种表达的工具或者武器，音乐的可能性在他这里是没有边界的。
坂本龙一谈到过自己最喜欢的日本历史人物是夏目漱石，因为他觉得夏目漱石复杂、敏感，经常处在一种中间的位置，那是东方和西方的中间，也是传统和现代的中间，更是公众和个人的中间。

许知远问他，艺术家会不会面临两难，一面是思考者的责任，一面是艺术性，这两方面有冲突吗？或者它们可以融合？
坂本龙一没有直接回答，他讲起自己在60年代是很反叛的，但是只是保持反抗，有时是过于简单的，不够有深度的。他给出的理由是，你越反抗，你越会被你要反抗的东西同化，所以我们应该远离这种对抗的状态。
他并没有在对抗着什么。
就好像在被问到觉得自己是什么身份的时候，坂本龙一的回答不是音乐家、艺术家或者别的什么，而是「一个人」。
文艺青年比起一个名字、一个标签、一个群体的定义，更像是一种身份，一种姿态，一种和主流生活方式对抗的身份和姿态。
而文艺青年们之所以深爱坂本龙一的关键也在这里。
主流价值观看不起文艺青年，是因为在主流价值观的实用主义逻辑下，文艺青年空有对抗的姿态，却没有意识到成为一个对抗者是需要能力，需要履行自己的责任和义务的。

而坂本龙一意识到了这些，即便他对世界和人类持有悲观的态度，觉得人类就是大自然的癌症，他也不把自己定义为对抗者，而是以自己的影响力为这个世界做着更多事，这些事已经远超音乐的范畴之外。
也是受到教授的影响，他的粉丝送他的生日礼物才会是以他的名义捐树，这种行为多么「文艺青年」。
当文艺青年学会对抗世界并不意味自己就更特别的一刻，他们才算是刚刚迈出了与主流对抗的第一步，坂本龙一早早地懂得并践行了这个道理。
与其说文艺青年都爱教授，不如说教授用他的一生为我们示范了，终极的文艺青年应该是什么样子。

原载《虹膜》

gL51185 · 发表于 2023-4-4 21:41:21

教授访谈里，最常说的一句话：一生中你还能遥望多少次满月升起，也许只有二十次，然而我们却总觉得这些都是无穷无尽
我们为什么喜欢坂本龙一？不仅是他的音乐，还有他的人生态度。
流光一瞬，华表千年，艺术千秋，人生朝露。教授在他有限的的时光里，奏出了最华丽的乐章。生命存在周期，音乐与灵魂却是永恒。
晚安，教授

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